Zone de Texte: Informazioni generali sull'arte
Ulteriori spiegazioni
 
Zone de Texte: Questo sito non è riservato esclusivamente all'esposizione delle mie opere. Su richiesta di molti internauti ansiosi di conoscere le particolarità della mia tecnica, e anche di giovani "aspiranti pittori", spettava a me portare queste informazioni aggiuntive (su diverse tecniche) e spiegazioni in grado di permettere ad alcuni di realizzare il loro sogno: "Dipingere". Quindi parto con una piccola teoria, che sarà anche molto utile a coloro che desiderano partecipare ai corsi che vengono distribuiti nella Galleria-laboratorio "Les Glycines" (Informazioni su richiesta).

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Pittura ad olio
Cos'è la tecnica pittorica?
Alcuni termini tecnici
Tecniche a base d'acqua
Tecniche oleose
Vernici a base di resine sintetiche
 


Cos'è l'Arte?
Definizione: 
 

Sapere di cosa stai parlando è una cosa importante... Quindi parto dal definire cos'è l'arte: <<Arte è un'attività umana che porta alla creazione di opere. Questa attività come viene svolta nel campo della creazione plastica o musicale. >> dice il dizionario.
Questa definizione, per essere onesti, è appena sufficiente. La parola arte deriva dal latino "ars". Si trova in provenzale (arte); in spagnolo e italiano (arte). Il genere di "arte" è variato dai primi tempi della lingua: si trova, nei testi più antichi, a volte femminile (che è il genere etimologico), a volte maschile; non era ancora stato fissato nel 16 ° secolo; oggi, il maschile ha prevalso.
L'arte riunisce ciascuno dei campi in cui le facoltà creative dell'uomo possono esprimere un ideale estetico. Troviamo così: arte pittorica, arte drammatica: teatro, la settima arte: cinema, arti spaziali (disegno, incisione, scultura, architettura), opposte alle arti temporali (mimo, poesia, musica, cinema), arti marziali, arte sacra, religiosa, arti della pace, parlare in pubblico, arte del linguaggio, arte musicale. L'arte militare, l'arte della guerra, i principi dell'arte greca, la logica è l'arte di ragionare, possedere un'arte, secondo le regole dell'arte. Uomini d'arte, che parlano con l'arte, senza arte. Questo operaio è molto abile nella sua arte, la maggior parte delle specie di animali, come api, ragni, castori, ognuno ha un'arte particolare, ma unica, e che non ha tra loro un primo inventore; gli uomini possiedono un'infinità di arti diverse, che non sono nate con loro e la cui gloria appartiene a loro.
La parola arte è anche usata per designare un insieme di opere caratteristiche di un'epoca, un paese, uno stile, ad esempio arte antica, arte o arte barocca.
L'arte, in alcuni casi, rappresenta un insieme di conoscenze, tecniche necessarie per padroneggiare una determinata pratica, come l'arte della linea...
Troviamo anche espressioni con la parola arte, come: la critica è facile e l'arte è difficile. La grande arte che è arte sacra, arte ermetica. Questo è il nome dato alle dottrine e alle pratiche dei filosofi ermetici che cercavano la pietra filosofale.
È sinonimo di alchimia. Lavorare secondo le regole dell'arte, vale a dire rispettando i principi che regolano l'attività svolta; nel miglior modo possibile. Un uomo d'arte, per designare una persona altamente qualificata nell'arte, l'attività che pratica. Questa espressione a volte si riferisce anche a un medico.
Nei periodi medievali troviamo le arti liberali (sempre usate "arti" al plurale in queste espressioni). Queste arti favoriscono l'attività della mente (al contrario delle arti meccaniche, che coinvolgono il lavoro manuale o il lavoro delle macchine). Le sette arti liberali delle università medievali (grammatica, logica, retorica, che formavano il corso di studi chiamato trivium; aritmetica, geometria, musica e astronomia, che costituivano il quadrivio).
Attualmente, conosciamo le arti industriali, in cui i modi di produzione industriali intervengono nel punto più alto. Arti domestiche, che riguardano la manutenzione di una casa. Troviamo anche le arti applicate e le arti decorative.
L'arte al giorno d'oggi si riferisce anche a ciò che è l'opera dell'uomo (in contrasto con le creazioni della natura).
Questa parola assume anche il significato di artificio, come nell'espressione <<C'è più arte che naturalezza nella sua grazia. >>
A volte, ci vuole ancora il senso di abilità, talento: esempio <<L'arte di piacere. >>
Come regola generale, l'arte è il modo di fare qualcosa secondo determinati metodi, secondo determinati processi. I maestri dell'arte, i più abili nel materiale in questione.
Le belle arti, invece, riguardano soprattutto la musica, la pittura, la scultura, l'architettura, l'eloquenza e la poesia e, sussidiariamente, la danza. 

Le arti del piacere sono il disegno, la musica e la danza considerate dal punto di vista del divertimento.
Le Arti Meccaniche sono quelle che richiedono soprattutto il lavoro della mano.
La parola "arte" è talvolta usata in contrapposizione alla natura.
L'arte è anche l'indirizzo nei mezzi utilizzati per ottenere un risultato.
L'espressione "arti plastiche", sebbene ampiamente utilizzata nel solito vocabolario contemporaneo, è molto imprecisa. Nel suo senso stretto, può essere contrastato con l'espressione "arti grafiche" e quindi distinguere le arti del volume (scultura e architettura) dalle arti della superficie (disegno, pittura, incisione).
Invertendo lo schema della critica tradizionale che, fin dal Rinascimento, ha riunito tutti all'insegna dell'arte del designo, l'uso quotidiano (e la nomenclatura del Ministero della Pubblica Istruzione) tende a definire come arti plastiche tutto ciò che né le lettere, né le scienze, né la musica rivendicano: attività che non osiamo dire manuali,  perché sono considerati nobili, ma che tuttavia implicano un'azione diretta del protagonista su qualsiasi materiale.
Disegno, pittura, incisione e scultura farebbero quindi parte della categoria "arti plastiche"; anche l'urbanistica e l'architettura, forse, soprattutto a livello di studi preparatori per qualsiasi realizzazione; ma il legame tra arti visive e mestieri, da un lato, e tecnologia, dall'altro, rimane incerto.
Sapendo ora cosa può significare la parola arte e le sue origini, è più precisamente l'origine della pittura che spetta a me specificare.
 
 
Pittura ad olio
Generale
L'oggetto di questo sito è soprattutto la pittura ad olio, quindi sta a me approfondire questo argomento per non lasciare nulla nell'ombra. Se nelle mie inFormatoions che lo riguardano non porto nulla di nuovo da un semplice inventario di conoscenze comuni, invece, in questa prima parte tecnica, riporto la mia ricerca personale e la mia tecnica che permette di competere in tutti gli ambiti con tutte le altre tecniche pittoriche, soprattutto in velocità di realizzazione sul campo e in termini di trasparenza e precisione.
La pittura ad olio è una tecnica che mira a creare un'immagine su una superficie applicando colori a base di olio ad essa. La pittura ad olio apparve in Europa alla fine del Medioevo, dove fu rapidamente adottata perché, più facile da usare, consentiva una maggiore varietà di effetti rispetto alle tecniche esistenti a base di cera, come la pittura encaustica, o la pittura a base d'acqua, come la tempera. Furono gli olandesi a sviluppare colori ad olio già nel 15 ° secolo, mescolando pigmenti con olio di lino.
I pigmenti sono stati schiacciati su un tavolo di marmo porfido fino a quando non sono stati ottenuti fino a quando non è stata ottenuta una vernice pastosa e un po 'cremosa.
La pittura ad olio è caratterizzata da un'essiccazione relativamente lenta (l'ossidazione è più corretta) che provoca poca alterazione del colore ad eccezione di un sottile film grigiastro dovuto all'ossidazione del legante, ben visibile sui colori scuri, ma che viene facilmente assorbito da uno strato di vernice, le vernici riacquistano poi tutta la loro brillantezza... a condizione che venga effettuata un'attenta selezione dei pigmenti utilizzati. Pertanto, è facile abbinare i toni, mescolarli o creare sfumature; è anche facile apportare modifiche a un'opera.
La pittura ad olio permette bellissimi effetti di colore, chiaroscuro, contrasto... Ma la qualità dei colori utilizzati non basta, il modo in cui l'artista li applica, la tecnica utilizzata è altrettanto importante! La scelta dei pigmenti, dei leganti, degli eventuali additivi, il modo in cui la vernice viene applicata al supporto, il supporto stesso presiede alla stabilità dei colori nel tempo, alla conservazione dell'opera!
La pittura ad olio è costituita da pigmenti in polvere, mescolati con olio essiccante all'aria, o più precisamente, è il legante (olio di lino) che si indurisce ossidandosi, da qui la lentezza della siccità. 
Per aumentare il suo tasso di siccatività, a questo olio vengono generalmente aggiunti prodotti essiccanti complementari (attenzione alle aggiunte derivate dal piombo che anneriscono i pigmenti nel tempo).
I pigmenti devono essere insolubili, chimicamente inerti e non scoloriti. Di solito vengono utilizzati semi di lino, papavero (olio di garofano) o olio di noci. 
Infine, alcuni dicono che l'aggiunta di una vernice alla vernice, come la vernice Dammar, consentirebbe una migliore omogeneità, tutti i test che ho effettuato non sono stati conclusivi su questo punto. 
In passato, gli artisti realizzavano i propri dipinti. Dal 19 ° secolo, i colori sono stati venduti in tubi di latta pieghevoli.
Il supporto di un dipinto ad olio è molto importante: infatti, se la carta permette una buona conservazione dell'opera, solo in un ambiente non umido, una tela di lino, cotone o iuta tesa su una cornice o montata (cioè incollata) su legno è un supporto comodo ma fragile; un pannello di legno tende a gonfiarsi o addirittura a dividersi; infine, il salvataggio di un affresco dipende dall'umidità della parete.
Il supporto è rivestito con un primer, un sottile strato di intonaco o basato su un altro materiale di gesso con l'aggiunta di colla. Questo primer ha la funzione di rendere il supporto meno assorbente; permette inoltre di ottenere una superficie verniciata regolare, né troppo ruvida né troppo liscia. Di colore bianco, si diffonde in diversi strati regolari.
La pittura ad olio comprende tradizionalmente diverse fasi: questo vale per la pittura "tradizionale", non per la mia tecnica personale che mira ad un massimo di qualità e spontaneità dell'opera (totale assenza di disegno preventivo ad esempio, che evita: perdita di tempo, pericolo di alterazione dei pigmenti che la ricopriranno, mancanza di spontaneità che danneggia l'intera opera,  soprattutto nelle trasparenze). Prima di tutto, tradizionalmente, il disegno viene abbozzato sul primer con matita, carboncino o vernice diluita con essenza di trementina. Le diverse aree di colore vengono quindi dipinte leggermente e quindi ripetute più volte con una vernice più spessa, in cui vengono aggiunti olio e vernice. La natura del supporto contribuisce notevolmente alla conservazione dei dipinti.
I pigmenti sono elementi colorati che sono stati polverizzati e poi mescolati con un legante in modo che possano essere utilizzati dall'artista. È il risultato di questa miscela che è caratterizzata da una sostanza pastosa chiamata vernice. La quantità del legante utilizzato dipende dalla natura dei pigmenti e dalla dimensione delle loro particelle di polvere, è quindi molto variabile.
I leganti di bassa qualità influenzano la conservazione delle opere, nonostante la qualità dei pigmenti. La conoscenza approfondita della chimica dei pigmenti è quindi essenziale per l'artista serio, preoccupato per la conservazione della sua opera, riporto questa conoscenza nei "complementi pedagogici" di questo sito.
La pittura ad olio viene solitamente applicata con pennelli fatti di setole di maiale o capelli di tasso o martora, che sono più flessibili. Puoi anche usare una spatola flessibile a lama larga chiamata "coltello" o dipingere con le dita. Con queste tecniche "tradizionali" la realizzazione del lavoro può essere fatta in poche sessioni, oppure richiedere mesi o addirittura anni di lavoro. Dopo l'essiccazione, la vernice viene verniciata, per proteggerla dallo sporco e migliorarne i colori.
Se la pratica della pittura ad olio è antica, non è stato fino al 15 ° secolo e il pittore fiammingo Jan van Eyck che è apparsa una nuova tecnica, che consente una lavorazione più facile, una resa cromatica più brillante e un rischio di embu (alterazione chimica della superficie dipinta che causa ottusità indesiderate) meno importante.
Van Eyck sperimentò questa tecnica, pur mantenendo le convenzioni della tempera, con un disegno dettagliato, eseguito su un pannello imbrattato con un intonaco di gesso, quindi coperto con diversi smalti trasparenti. In Italia, fu Antonello da Messina a rendere popolare questo metodo, le cui risorse furono utilizzate dai pittori rinascimentali.
È ai veneziani che si deve il passaggio alla pittura su tela, che permetteva di rotolare durante un viaggio. Questi artisti adottarono uno stile più libero, caratterizzato da smalti ad olio, su un semplice sfondo monocromatico passato "a tempera".
Gli artisti olandesi Rembrandt e Frans Hals e lo spagnolo Velasquez hanno concentrato la loro ricerca più sull'impasto.
Nel 19 ° secolo, i progressi della chimica hanno portato nuovi pigmenti, con colori brillanti e brillanti. Grazie all'invenzione dei tubi di latta, che potevano essere piegati e che soppiantavano le vecchie vesciche, gli artisti erano ora in grado di dipingere la natura al di fuori dello studio.
Con i nuovi additivi artificiali che hanno preservato la freschezza della vernice, è diventato più facile usare il metodo dell'impasto. Dipingere uno sfondo non era più una necessità. Gli impressionisti francesi ricoprirono così le loro tele con moltitudini di piccoli tocchi di colori vivaci, posti direttamente sulla tela.
Se la pittura acrilica, più facile da usare, ha oggi la preferenza di molti artisti per la sua facilità di applicazione (vicina all'acquerello), la sensualità del mezzo e l'interesse per le tecniche tradizionali permette alla pittura ad olio di mantenere tutto il suo fascino.
Era necessario andare oltre la velocità di esecuzione specifica della vernice acrilica che, sebbene alcuni la rivendichino (per scopi commerciali... forse), è ancora lontano dal presentare le garanzie di stabilità della pittura ad olio (a causa dell'importanza degli additivi liquidi essenziali, senza i quali la vernice diventerebbe gommosa all'interno dei tubi, il che non è il caso della pittura ad olio.)
Fu quindi necessario far progredire le tecniche di lavorazione dell'olio utilizzando tutte le conoscenze scientifiche quanto alla scelta dei pigmenti (una quindicina di pigmenti di reale qualità è più che sufficiente per costituire la tavolozza di un pittore professionista) e trovare nuove tecniche di lavorazione che permettano totale libertà di creazione adattandosi alla velocità di evoluzione di questo terzo millennio.
È questa tecnica "rivoluzionaria" che mi ha permesso di ottenere due volte il titolo di "Campione del Mondo di Maestro di Arte Pittorica", e uno dei miei discepoli, il lussemburghese Roby Diederich, di classificarsi 3° in questo concorso a Ginevra, che spiego dettagliatamente nelle pagine delle parti "tecniche" di questo sito.
Fornendo la prova, con la mia tecnica, che è possibile lavorare con l'olio con la stessa rapidità dell'acquerello e dell'acrilico, senza disegno preventivo, con un minimo di pigmenti, senza additivi aggiuntivi in modo da non sovraccaricare i pigmenti e denaturarli nel tempo (ingiallimento, imbrigliatura, fessurazione, ecc.), con una tecnica che consente sia piatti che di alta precisione (lavoro da vedere con una lente d'ingrandimento) in qualsiasi stile (figurativo,  astratto, ecc.), il Pittore può finalmente padroneggiare il suo lavoro con un minimo di costrizione... creando opere di una qualità tecnica mai eguagliata prima!
Preciso che i tempi di siccatività rimangono lunghi, vieto l'uso di qualsiasi additivo essiccante (generalmente a base di piombo) in modo da non danneggiare la qualità dei pigmenti... ma una tela appesa non esaurisce mai il tempo per asciugarsi!
 
Cos'è la tecnica pittorica?
Esiste una tecnica pittorica? Sì, nella misura in cui alcuni tipi di materiali associati sono utilizzati in un'esatta relazione di interdipendenza, ma questa espressione tecnica della pittura può essere fonte di confusione. In effetti, designa sia la pratica dei materiali utilizzati che il know-how dell'artista.
Il materiale, scelto o sofferto, gioca un ruolo essenziale e, infatti, tutta la storia dell'opera dipinta si snoda a partire da cinque materiali: un supporto, pigmenti colorati rivestiti in un liquido (legante o mezzo) il più delle volte esteso grazie ad un altro liquido più fluido (il diluente o veicolo) su un rivestimento intermedio,  tra il supporto e lo strato pittorico. Questi elementi sono alla base di qualsiasi operazione pittorica: la variazione di uno di essi (il legante e il diluente in particolare) può portare a una variazione significativa nella tecnica.
Ma questa interdipendenza dei mezzi è essa stessa soggetta a una gerarchia interna? È infatti il rapporto tra il veicolo e il legante con il supporto che definisce la tecnica di base, da qui le distinzioni fatte dai processi, che a loro volta possono essere modificati dalla contaminazione. Così, nello stesso pittore occidentale, il modo di dipingere ad acquerello o a tempera da flats potrebbe condizionare la propria tecnica ad olio e viceversa. Il pastello, d'altra parte, offre numerosi esempi che evidenziano il rapporto tra disegno e pittura.
Pertanto, l'espressione tecnica della pittura è spesso confusa perché si riferisce sia alla pratica dei materiali utilizzati che all'uso che ne fa l'artista. La tecnica di un pittore non si limita alla semplice gestione dei colori posti su un supporto corrispondente. La mano animata dalla mente rimane il conduttore che traduce gli impulsi psichici dell'artista, questi impulsi sono paragonabili a quelli che presiedono all'aspetto di una scrittura e che sono il fondamento stesso della grafopsicologia scientifica.
È notevole notare che oltre a questo aspetto di proiezione della personalità del pittore che di solito c'è una serie di consigli relativi alla direzione mentale e spirituale. Così l'atto della pittura era considerato dominato da una visione interiore e non nella sua espressione finale, in alcune sette buddiste, che alcuni dei pittori astratti contemporanei volevano riprendere per conto proprio anche nell'automatismo pittorico a cui affermavano, o pretendevano, di appellarsi.
Tuttavia, le contingenze imposte dai mezzi non possono essere escluse, il loro uso è spesso regolato da una scelta deliberata di espressione. I mezzi tecnici determinano parte dello scopo dell'opera: l'artista dipende sempre dalla natura dei supporti, ad esempio, le trame di una tela grossolana o la finezza di una tela di seta avranno necessariamente un effetto diverso sull'opera finita.
Il materiale scelto dall'artista, o subito in molti casi (per vincoli di budget), gioca quindi un ruolo molto importante, è così che il racconto dell'opera dipinta si snoda da cinque materiali: il supporto, i pigmenti colorati rivestiti in un liquido (legante, medium, ecc.) il diluente su un rivestimento, lo strato intermedio tra il supporto e lo strato pittorico finale.
Il legante e il diluente sono i fattori più importanti che possono portare a una variazione significativa nella tecnica.
Nello stesso pittore, il modo di dipingere ad acquerello o a tempera piatta può condizionare la sua tecnica ad olio e viceversa. Pastel offre molti esempi che enfatizzano il rapporto tra disegno e pittura.
Il supporto (detto anche soggettivo) può essere costituito sia da una superficie rimovibile (tela, carta, legno, ecc.) che da una parete o da un soffitto.
Il rivestimento svolge un duplice ruolo: proteggere sia il supporto che lo strato pittorico dalle reazioni chimiche avverse e distruttive che potrebbero derivare dal loro reciproco contatto. La sua superficie sarà più o meno liscia, a seconda dell'aspetto finale che vogliamo dare allo strato pittorico. Per preparare meglio i prossimi rapporti sui colori, il rivestimento viene talvolta rivestito con una stampa colorata. Questa modalità di lavoro si trova più spesso nelle pratiche dei vecchi maestri.
Per quanto riguarda lo strato pittorico stesso, la sua composizione è più o meno complessa, fatta di pigmenti di colori di origine minerale, organica o sintetica, che devono essere macinati molto finemente. Questi pigmenti sono più o meno resistenti alla luce, all'inquinamento atmosferico e alle miscele con altri pigmenti (il cosiddetto fattore di miscibilità), hanno indici di rifrazione più o meno elevati rispetto a quello del legante (i colori si dicono molto coprenti se l'indice è alto e trasparente altrimenti.
L'indice di rifrazione svolge un ruolo molto importante nel corpo del legante, essendo questo legante il mezzo privilegiato del viaggio leggero. L'indice di rifrazione varia in base alla sua densità e spessore, al suo carico di pigmento e alla differenza di posizione tra loro.
In ogni modalità di lavoro (acquerello e guazzo, pastello, tempera e tempera, tecniche ad olio, vernici a base di resine sintetiche, ecc.) troviamo tecniche specifiche molto diffuse e conosciute. Infatti, al giorno d'oggi, avere una tecnica personale è spesso desiderabile per uscire dall'ombra, ma vedremo che non è sufficiente che l'artista acquisisca una certa notorietà. Mi occupo di queste tecniche principali in queste pagine, insistendo, in dettaglio, sulla mia tecnica personale specificando le mie motivazioni e giustificando le mie scelte.
 
Alcuni termini tecnici

Alcuni termini tecnici usati dai pittori: 
L'appartamento, in pittura
Piatto è un termine che qualifica sia un modo di posare il colore che una tecnica pittorica: piatto (piatto) è l'espressione più semplice della pittura, che è perfettamente rappresentata da antichi dipinti e immagini di Epinal. La forma delimitata da un contorno costituisce una superficie che viene riempita con colori diversi a seconda delle parti da identificare. L'appartamento evidenzia la realtà cromatica. Questo è il motivo per cui tanti pittori vi sono tornati quando hanno voluto imporsi contro una pittura di modellazione ed effetto ottico. È anche la tecnica più semplice e facile da eseguire. È facilmente assimilabile alla semplice colorazione.
Serie, in termini di arte
Quando parliamo di una serie in arte, intendiamo o un insieme ordinato di opere governate da un tema, il supporto di un problema plastico da risolvere, o una molteplicità di figure più o meno equivalenti risultanti da un gioco combinatorio o da un trattamento sistematico ripetitivo. Quindi, in primo luogo, c'è una serie ogni volta che un pittore esegue, da un modello o dagli stessi dati formali, una sequenza continua di oggetti che rappresentano nella loro successione un percorso progressivo nella ricerca.
Solventi
Il solvente più comune, o diluente, dei colori ad olio è la trementina – una miscela di idrocarburi ciclici contenenti dieci atomi di carbonio – o una miscela di idrocarburi volatili derivati da distillati di petrolio. Per la maggior parte dei leganti sintetici, il solvente utilizzato è un alcol, chetone o estere.
Vernici e lacche
I numerosi cambiamenti che si verificano nella composizione e nella preparazione delle vernici rendono difficile la loro classificazione. La vernice alcolica, ad esempio, è una resina disciolta in un solvente volatile che non contiene olio essiccante; La vernice per asfalto è una soluzione di asfalto che produce un rivestimento nero opaco. Applicata a film sottile, la vernice si indurisce mentre si asciuga.
Lacche
Le lacche includono alcune vernici naturali e sintetiche, come la vernice giapponese, realizzata con la resina di un sommacco giapponese Rhus verniciflua. A volte vengono aggiunti pigmenti e diluenti. Il materiale risultante viene applicato in uno strato sottile su legno, metallo o ceramica. Una volta indurito, la lacca viene delicatamente lucidata con un abrasivo, quindi viene applicato un altro strato. Le lacche commerciali utilizzate per dipingere oggetti metallici sono spesso a base di nitrato o acetato di cellulosa.
Processi di verniciatura tradizionali
I processi tradizionali avranno un posto molto alto a causa della loro durata e dell'importanza che attribuiscono alle nuove tecnologie. Va anche notato che una classificazione è abbastanza relativa; perché, a seconda che ci si riferisca al veicolo o al legante, l'apprezzamento differisce: acquerello, guazzo, tempera, vinile e colori acrilici sono tecniche all'acqua, come l'affresco; ma si distinguono per la costituzione del loro legante. Inoltre, ai due gruppi opposti (acqua e olio) va aggiunto quello delle emulsioni (combinazione di acqua con una sostanza grassa, olio o resina, grazie all'uovo primitivamente).
 

Tecniche a base d'acqua
 
In diverse tecniche, l'acqua interviene come veicolo (tranne che nell'affresco dove partecipa a un particolare lavoro chimico); un legante è quindi necessario per fissare i colori al supporto, ed è la sua quantità o composizione che determina la tecnica e la qualifica.
Acquerello
Il dizionario dice acquerello: Disegno in lavaggio e diversi colori, una sorta di illuminazione, a cui vengono utilizzati colori trasparenti e con il minor spessore possibile. Un bellissimo acquerello. L'acquerello è abbastanza in uso per dipingere fiori, uccelli, piccoli paesaggi.
In effetti, l'acquerello è un dipinto in cui i pigmenti sono disposti in acqua. L'acquerello si caratterizza soprattutto per la sua trasparenza, la carta rimane visibile attraverso i colori che formano un effetto velo: questa specificità la distingue dalla pittura ad olio, più densa e opaca.
Secondo l'etimologia della parola acquerello deriva dall'italiano acquerello, tempera, diminutivo di acqua, acqua.
L'acquerello si ottiene mescolando una polvere di pigmento secco con gomma arabica che, prelevata da alcune acacie, si solidifica per evaporazione. Il materiale solido viene diluito in acqua e quindi applicato sulla carta utilizzando un pennello a setole morbide.
L'acquerello è un processo relativamente moderno, ma varie tecniche correlate a base d'acqua sono state utilizzate in passato, specialmente dagli egiziani. Abbastanza adatto per la pittura plein air (il suo tempo di asciugatura è molto breve), era al massimo in sintonia con la sensibilità romantica.
Inizialmente un semplice accompagnamento al disegno, in Occidente, l'acquerello divenne, dalla fine del 18 ° secolo in Inghilterra, un'espressione autonoma la cui libertà di lavorazione condizionò anche l'evoluzione della pittura ad olio (specialmente tra i neoimpressionisti, i Fauves e Cézanne).
Nel 20 ° secolo, l'acquerello ha svolto un ruolo relativamente limitato: è stato, in generale, oscurato da due tecniche vicine, più luminose e più espressive: gouache e acrilico.
Oggi, l'acquerello e il guazzo sono due processi di pittura con acqua gommata - del tipo di gomma arabica o ottenuta da qualsiasi altra mucillagine. Nella prima tecnica, il legante è in piccole quantità; nel secondo, alla maggiore dose di legante, vengono spesso aggiunti altri ingredienti: opacizzano il materiale, limitando così i possibili effetti della trasparenza, mentre nell'acquerello questi svolgono un ruolo fondamentale come nel lavaggio (acqua estesa con inchiostro).
Il materiale dell'acquerello è quindi molto poco aderente, leggero, e permette di trarre effetti dal colore della carta e dalla sua grana. È quindi molto vulnerabile agli effetti della luce e degli agenti atmosferici; la sua conservazione richiede quindi diversi accorgimenti: involucro di vetro o plastica, luce fioca. La debolezza del legante, favorendo le differenze negli effetti ottici dei pigmenti, l'uso di molte lacche, trasparenti e fragili, hanno incoraggiato gli artisti a rettificare la brillantezza di certi colori, sia che si attenua rendendoli più umidi con glicerina o miele, sia che si acceleri al contrario con l'anilina.
Il materiale dell'acquerello ha portato naturalmente ad un modo di acquerello che richiede grande franchezza, lavoro diretto – alla prima – quasi senza pentimento, anche se nel nostro tempo sono coinvolti diversi mezzi di espressione: pennellata a secco, timbro di blotting, ecc. La scelta del supporto condiziona il lavoro. È necessario utilizzare carta straccio, la cui trama superficiale dipende dall'effetto materiale desiderato; bellissimi risultati si ottengono con le carte di riso. Contrariamente a quanto alcuni acquerellisti amano dire, il ritocco dell'acquerello è possibile... ma richiede una grande padronanza di questa tecnica. Presentando meno difficoltà tecniche rispetto alla pittura ad olio, è spesso consigliato, dai pittori "tradizionali", ai principianti di acquisire un minimo di tecnica prima di passare alla pittura ad olio. Molti pittori non riescono nemmeno ad andare oltre la pratica di lavorare con la pittura ad acqua.
Guazzo
Il guazzo è opaco, con pigmenti diluiti in una miscela di acqua, gomma e bianco. Tuttavia, la distinzione tra i due processi non è davvero definita, almeno in Francia, rispetto al 1760, attraverso The Encyclopedia. La tecnica del guazzo, a differenza di quella dell'acquerello, non utilizza l'effetto della trasparenza per l'alleggerimento dei toni, ma utilizza quasi solo l'uso dei bianchi.
Per il dizionario, il guazzo è un tipo di vernice per la quale usiamo colori disposti con acqua e gomma, che rendiamo abbastanza pastosi con miele o altro, per supportare non solo le lacche, ma anche la terra; che lo distingue dall'acquerello. Nel guazzo i colori sono posati in piano, trascinando il pennello come per dipingere o lavare.
Di antica tradizione, il gouache divenne per eccellenza la pittura di manoscritti, specialmente dal 13 ° secolo, quando si cercava una bellezza della materia legata alla franchezza del tono. Come la tempera, a cui è molto vicino, il gouache impone una serie di regole di esecuzione. Deve essere affrontato con decisione. Spesso è meglio iniziare dai toni chiari a causa del loro rinforzo o oscuramento.
Nel Rinascimento, gli artisti tedeschi usavano frequentemente l'acquerello, a volte associato al guazzo, principalmente nella natura morta e nel paesaggio, ma anche nella ritrattistica, nei progetti di decorazione dipinta per le facciate delle case, nelle vetrate e negli oggetti d'arte decorativa.
Molto vivace nel 18 ° secolo in Italia, specialmente tra i vedutisti veneziani, la moda del guazzo e dell'acquerello si sviluppò in Francia soprattutto sotto Luigi XVI, dove gli acquerellisti entrarono ufficialmente nella Royal Academy: schizzi di reportage e scene.
Il guazzo, nell'arte, è quindi una tecnica pittorica a tempera i cui colori sono ottenuti da pigmenti opachi prima schiacciati con acqua e mescolati, tra le altre cose, con la gomma. Più spesso nella sostanza rispetto all'acquerello, con una luminosità meno sottile, il gouache consente tuttavia rendering trasparenti e leggeri. Con il gouache, è possibile sovrapporre i colori, come nelle tecniche di pittura ad olio, e ottenere effetti opachi e pastosi.
Poiché i colori del guazzo tendono a schiarirsi durante l'essiccazione, questa tecnica consente un'ampia varietà di effetti pastello o perline.
La parola guazzo deriva dall'italiano guazzo (sinonimo di molto bagnato), che si riferisce a una varietà di tempera a base d'acqua, gomma arabica fusa a caldo e glicerina.
Gouache, che rimane un genere minore, è spesso usato per studi preparatori, notazioni di studio, progetti di architetti e produttori di cartone di arazzi.
Poiché ci sono nuove vernici in resina sintetica, le emulsioni viniliche sono state chiamate gouache e sono state chiamate, con un effetto opaco che in realtà è molto vicino a quello. Come la tempera, a cui è molto vicino, il gouache impone una serie di regole di esecuzione. Va trattato con determinazione, ma è necessario evitare di mescolare le tonalità ancora bagnate e per questo lasciamo asciugare il primo strato la cui intensità diminuisce immediatamente. È quindi preferibile partire dai toni chiari a causa del loro rinforzo, o del loro oscuramento.
Poiché ci sono nuove vernici in resina sintetica, le emulsioni viniliche sono state chiamate gouache e sono state chiamate, con un effetto opaco che in realtà è molto vicino a quello.
Quindi possiamo dire che il gouache è una varietà di acquerello, più opaco, più denso, che tende a "cadere di tono" quando si asciuga. Per schiarire i colori, ad essi viene aggiunto il bianco, a differenza dell'acquerello che gioca, per trasparenza, con il bianco della carta. Gouache è anche già una tempera a causa della complessità di alcuni leganti. Nel Medioevo, le ricette a guazzo per i manoscritti includevano albume d'uovo, fiel, aceto, zucchero candito, ecc. Oggi, oltre alle vecchie ricette, dove appaiono anche destrina e glicerina (per combattere la muffa), altre sono preparate a base di prodotti sintetici a base di cellulosa, tra le altre cose.
Semplice piccola precisione, se è possibile con la pittura ad olio dare alla sua opera l'aspetto dell'acquerello affadendo colori, acquerello e guazzo, non avrà mai la potenza e la vivacità dei colori resi dalla pittura ad olio.

Pastello
Per il dizionario, il pastello è un bastoncino fatto di una pasta colorata solidificata (a base di argilla bianca e gomma arabica o gomma adragante). Il pastello è quindi un piccolo bastoncino di minerale morbido usato per disegnare o scrivere. L'etimologia della parola pastello: Questo mon deriva dall'italiano pastello, o pasta (pasta), che a sua volta deriva dal latino pastillus che significa piccola torta.
Le matite naturali sono pietra nera, gesso e sanguigna. Quando un artista li usa nello stesso disegno, si chiama "disegno con tre matite".
Matite artificiali come pastello, matite colorate o matite litografiche sono ottenute da una sostanza metallica o terrosa mescolata con cera, colla o gomma arabica.
Così, pastello, in termini di arte, è il nome dato alle matite composte da diversi colori schiacciati e ridotti a pasta con acqua di gomma. "Dipingere a pastello" è dipingere con questi colori, che mescoliamo in base alle varie tonalità che vogliamo realizzare.
Nella pittura a pastello, le matite fungono da pennelli; il nome di pastello che è stato dato a questo tipo di "pittura", deriva dal fatto che le matite che usiamo sono realizzate con paste di diversi colori.
Intermedio tra pittura e disegno, la pittura a pastello, a secco, rappresenta un genere del tutto a parte, ma vicino, in origine, a questa tecnica di accompagnamento che da tempo è stata affidata all'acquerello.
Polvere di colore solidificato, pastello si presenta sotto forma di aste di sezione rotonda o quadrata. Questo dipinto-disegno, di uso più recente rispetto a quello dei dipinti a umido, ha tuttavia antenati molto lontani nelle tracce di colore rosso realizzate con l'aiuto di un pezzo di terra ferruginosa nel periodo paleolitico. Il suo uso tradizionale e specifico non sembra risalire oltre il 15 ° secolo, dal momento in cui, come per il carbone o il sangue, si è riuscito, più o meno bene, a fissarlo.
Leonardo da Vinci avrebbe imparato il processo del francese Jean Perréal (cera, ceruse e colore). Ma il pastello si impose solo lentamente, apparendo in un primo momento, in Italia, come un derivato delle pratiche di sanguine e delle sue manifatture, più vicino però all'esistenza di una macchia di vernice solidificata, come poteva essere scoperto da un pittore sulla sua tavolozza. Non ci sarebbe pastello senza un legante, un agglutinante responsabile dell'agglomerazione dei pigmenti di colore, a differenza delle sanguigne tagliate all'inizio nella roccia originale.
Nel corso dei secoli sono state utilizzate varie tecniche di lavorazione, come la macinazione con acqua gommata (a volte con miele), l'uso di talco o caolino per la solidificazione e la cui percentuale è definita dal grado di durezza che si vuole ottenere: matite pastello dure, semidure, morbide, che permettono di passare dalla linea incisiva al materiale frantumato,  vicino a quello di alcuni tipi di carbone o sanguigno.
L'uso del pastello dipendeva essenzialmente dall'esistenza di un soggetto leggermente ruvido, necessario per appendere il suo materiale. Questa tecnica è stata quindi sviluppata in parallelo con la produzione di carte di pezza, che vengono utilizzate sempre più dal 15 ° secolo, ma anche e soprattutto carte tinte, che hanno permesso di evidenziare immediatamente il colore depositato.
Lavoro in schiusa o frantumazione, un gioco di sovrapposizione di ogni genere su carte speciali, tra cui alcuni feltri o altro velluto, completo per dare alla tecnica pastello una fisionomia che la distacca chiaramente dal disegno o dal ruolo di schizzo preparatorio. Eppure la meccanica della mano mantiene, in ogni caso, un legame permanente con lo spirito del disegno.
Il 20 ° secolo proporrà quindi la creazione di pastelli ad olio, per garantire più adesività e più solidità nei toni, perché il materiale del pastello primitivo è molto fragile (pericolo di stampaggio), sebbene la qualità della colorazione sia notevole. È quindi necessario moltiplicare i mezzi di protezione (fissativi e sottobicchieri), che non sempre permettono di apprezzare la bellezza dei pastelli.

Tempera e tempera
C'è un'ambiguità nell'uso delle parole tempera e tempera. Temperare un colore significa, a rigor di termini, mescolare i pigmenti di esso con un liquido che ne consente l'uso. Ma durante il 19 ° secolo, in Francia, era molto spesso l'abitudine di chiamare una tempera più complessa contenente uovo.
Di norma, le tempere sono vernici a base d'acqua, nel caso più semplice contenenti un legante per colla o, secondo formule più apprese, uova e, attraverso di esso, resine e persino olio emulsione. Dal Medioevo, come oggi, una volta terminati i lavori, è stata passata una vernice su tutto il dipinto, alcune delle cui antiche ricette (confermate da analisi di laboratorio di restauro) erano fatte da olio cotto, varie resine, che conferisce loro una falsa aria di pittura ad olio.
Con tutte queste tempere, abbiamo dipinto su qualsiasi supporto: pannello di legno, parete, poi tela sottile tesa sulla cornice e, naturalmente, pelle e carte. Tra tutte le preparazioni di rivestimento, dobbiamo menzionare più in particolare quelle applicate ai pannelli di legno: strati di colla morbida mescolati con intonaco, tutti accuratamente levigati, o una tela di lino molto fine incastonata nella stessa preparazione, in modo da limitare gli effetti disastrosi della fessurazione del legno. Questo gessoduro (intonaco duro, in italiano) era talvolta coperto con uno strato di colla, o addirittura vernice, prefigurando così i rivestimenti che sarebbero stati successivamente utilizzati per la pittura ad olio.
Tempera difficilmente permetteva di lavorare se non sovrapponendo strati con scarso effetto di trasparenza. Alcuni processi venivano spesso ripetuti per determinate forme: ad esempio, tratteggio di colore chiaro nelle ombre per ottenere effetti mezzetinte. Difficilmente si poteva modellare al fresco a causa del tempo di asciugatura troppo veloce; tuttavia, le vernici superficiali hanno richiesto una notevole quantità di tempo per asciugarsi. Tanti motivi che faciliterebbero l'adozione di una nuova tecnica ad olio, frutto degli esperimenti dei pittori a tempera.
Eppure la tempera ha permesso di ottenere colori di grande qualità, tanto che alcuni pittori "astratti moderni" non hanno esitato a tornare a questo processo. Va notato, infine, che innumerevoli murales sono stati realizzati a tempera, secondo pratiche molto diverse.
 
Affresco
Il processo di affresco è stato praticato in tutto il mondo fin dai tempi antichi, dall'Estremo Oriente all'America precolombiana. Essenzialmente arte monumentale, è legata all'esecuzione di importanti programmi architettonici: da qui la frequente confusione tra affresco e pittura murale. Non si chiama affresco un dipinto parietale su roccia del Paleolitico! Per una presentazione tecnica completa, rimandiamo all'articolo FRESQUE.

 
Tecniche oleose
 
Dal 15 ° secolo, l'olio è stato preferito a tutte le ricette precedenti. Questa tecnica, infatti, rispondeva meglio alle nuove concezioni pittoriche e permetteva di associare in modo più morbido due toni vicini, soprattutto nel caso di effetti chiaroscurali. Questa fusione di colori contribuì anche a questa unità spaziale che molti pittori stavano cercando.
I fratelli Van Eyck erano, alcuni sostengono, gli inventori. Si tratta, infatti, di un nuovo processo di pittura ad olio; perché l'olio era già stato usato per molto tempo nella vernice, ma mescolandolo con altri ingredienti, soprattutto per fare vernice protettiva. Si asciugava troppo lentamente e, senza dubbio, anche il suo uso non rispondeva bene alle vecchie concezioni pittoriche, perché probabilmente non si sapeva quale effetto trarre dalla traslucenza.
Sembra che tutto sia cambiato dal momento in cui siamo riusciti ad abbinare l'olio cotto con un diluente più fluido: prima l'acqua, in emulsione con l'uovo, poi un'essenza volatile. Così siamo riusciti a diventare maestri di un processo che ha portato alla pittura una nuova dimensione, grazie agli ormai possibili effetti della sovrapposizione traslucida, della ricchezza della materia. Combinando questa scoperta con precedenti pratiche di tempera, gli artisti fiamminghi hanno evidenziato una tecnica glacis (colore allentato in una maggiore quantità di legante e applicato sopra un altro, precedentemente isolato grazie al nuovo tipo di legante). Così, sovrapponendo colori diversi, un nuovo colore è stato ottenuto dalla miscelazione ottica, e diversi strati di rosso pallido, ad esempio, hanno dato un rosso intenso di alta intensità. L'intera Europa avrebbe tratto conclusioni notevoli per la sua pittura per quasi tre secoli.
Il materiale pittorico ha quindi assunto, grazie alla pratica dell'olio, un nuovo significato. Dalle pratiche fiamminghe, Leonardo da Vinci e molti altri artisti hanno dato alla preparazione della parte inferiore e sopra un nuovo valore, che aiuta a creare l'atmosfera del dipinto: è lo sfumato, un vero lavaggio a base di olio e benzina, che il 19 ° secolo ha interpretato accademicamente. Da allora in poi, è stata principalmente consuetudine dare una solida base agli strati pittorici, garantendo allo stesso tempo un'unità ombra-luce, in relazione all'evoluzione del disegno.
Ma l'importanza assunta dalla fattura a livello del materiale è apparsa, grazie all'olio, in un modo completamente nuovo. Nel 20 ° secolo, la pittura astratta ha tratto le conclusioni più logiche.
La pratica dell'olio, tuttavia, presentava alcuni svantaggi, che il tempo doveva evidenziare in modo particolare. Oltre alla pericolosa complicazione di alcune ricette, l'olio man mano che invecchia diventa giallo; a volte l'ossidazione del film superficiale provoca un cambiamento significativo nei toni originali. A questo vanno aggiunti gli incidenti dovuti a cambiamenti nella tensione della tela. Perché la diffusione della nuova tecnica corrisponde a quella di un nuovo soggetto: dall'inizio del 16 ° secolo, la tela tesa sulla cornice è sempre più utilizzata; rappresenta una nuova comodità perché può essere arrotolato, il che facilita il trasporto di grandi opere. La tela permette inoltre, in base alla sua tessitura, effetti materici: appendere il colore, suggerire spessori necessari per coprire bene. D'altra parte, era necessario ridurre l'importanza del rivestimento, che ha portato a incidenti, perché l'olio quando si infiltra brucia la tela e forma imboscate sulla superficie - la parte superficiale della vernice perde la sua lucentezza a causa della scomparsa dell'olio agli strati più profondi, se nulla impedisce la sua infiltrazione.
Gli stessi problemi sono sorti anche per la pittura ad olio sulla parete: qui, il rivestimento a base di gesso deve essere igienizzato da una calce prima dell'olio caldo.
Infine, non sottolineeremo mai abbastanza due difficoltà insite nella nuova tecnica: o assicuriamo allo strato pittorico una certa protezione sulla superficie utilizzando una vernice, che tende ad ingiallire e screpolarsi a lungo andare; oppure, poiché la vernice stessa è basata sulla vernice, il deterioramento della sua parte superficiale porta anche alla scomparsa dei pigmenti in sospensione, come nel caso degli smalti. Conosciamo il disastroso risultato di alcuni restauri effettuati nell'ignoranza delle tecniche antiche per non parlare del problema delle vernici colorate.
Durante il 19 ° secolo, l'uso improprio dell'olio grezzo, legato alla macinazione meccanica dei pigmenti, pose nuovi problemi che la chimica moderna cercò di risolvere sulla base dello studio dei vecchi leganti. I media, a volte eccellenti, sono nati da ipotesi formulate secondo la somiglianza del loro effetto con quello di alcuni dipinti di un tempo. Prendendo l'esempio di alcune tecniche precedenti, sono stati migliorati anche alcuni tipi di tempera e sono stati preparati nuovi rivestimenti, grazie alla cellulosa. I colori ad olio hanno anche ricevuto maggiore qualità dall'aggiunta di nuovi prodotti, ma senza influire sul sistema di standardizzazione dell'impostazione del tubo di colore (dal 1840).
Per una maggiore precisione, la pittura ad olio è costituita da pigmenti in polvere, mescolati con olio ossidante (essiccazione) nell'aria. Questo olio è solitamente integrato con l'aggiunta di prodotti di essiccazione complementari, ma è meglio evitarli. I pigmenti devono essere insolubili, chimicamente inerti e non scoloriti. Di solito vengono utilizzati semi di lino, papavero (olio di garofano) o olio di noci. Infine, l'aggiunta di una vernice da verniciare, come la vernice Dammar, permette una migliore omogeneità. Dal 19 ° secolo, i colori sono stati venduti in tubi di latta pieghevoli.
Nella pratica delle tecniche antiche, il disegno viene abbozzato sul primer con matita, carboncino o vernice diluita con essenza di trementina, ma per un lavoro di eccellente qualità, il disegno precedente è fortemente sconsigliato per motivi che vedremo quando si tratta in profondità dell'impressionismo moderno, un modo di espressione particolarmente spontaneo con una tecnica rivoluzionaria.
Dopo l'essiccazione (almeno un anno), la vernice viene verniciata per proteggerla dallo sporco e migliorarne i colori.
 

Vernici a base di resine sintetiche
 

È per tutti questi motivi che la chimica moderna si è proposta di offrire ai pittori colori più puri grazie alla loro associazione con un legante incolore e stabile; questo legante può anche essere un mezzo di diluizione, a cui l'acqua viene semplicemente aggiunta se deve essere estesa ulteriormente. Questo è il principio che regola l'uso di vernici viniliche, acriliche e alchidiche, composte anche sulla base dell'emulsione. 
I primi sono meno resistenti all'esterno rispetto ai secondi, che sono forti come le vernici gliceroftaliche. Ma questo uso risponde anche ad un vecchio desiderio di ottenere colori puri, inalterabili, che la ricerca industriale ora permetteva di produrre. Lo sviluppo della pubblicità, la rivoluzione artistica a favore dell'arte minimale – a sua volta influenzata dalla pittura industriale – l'estetica pop ha fortemente orientato questo gusto.
Le vernici acriliche sono polimeri e copolimeri di acidi acrilici, acidi metacrilici e loro derivati.
Le vernici acriliche si basano su emulsioni acquose di resine acriliche contenenti pigmenti. Hanno un'elasticità molto elevata e caratteristiche di lucentezza abbastanza vicine a quelle della pittura ad olio, che può essere sbiadita dall'aggiunta di mezzi. È certo, però, che la grande quantità di leganti e materiali complementari necessari per la loro fabbricazione altera notevolmente l'intensità dei colori (spesso più vicini al pastello che all'olio).
Le vernici acriliche sono state utilizzate per la prima volta dagli anglosassoni nel 1960. Hanno molti vantaggi: si asciugano rapidamente senza cambiare colore e non ingialliscono con l'età. A seconda dei pigmenti utilizzati, sono di copertura, semitrasparenti o trasparenti: permettono di ottenere tonalità molto sfumate, colori molto puri e inalterabili.
Le pitture viniliche e acriliche nascono dall'uso di resine sintetiche, termoplastiche – che danno ottime vernici incolori. Il loro uso in emulsione con acqua riporta curiosamente alla tecnica della tempera, e addirittura, a seconda della quantità di acqua utilizzata, tende ad avvicinarsi in modo acquerello. Le molecole di acrilato permettono soprattutto di ottenere un film solido, seppur flessibile, che conferisce ai colori la loro brillantezza, soprattutto perché si tratta di prodotti sintetici recenti. La quantità di acqua regola l'ottusità, mentre l'importanza relativa del mezzo garantisce luminosità. Ma questo tipo di vernice ha anche il vantaggio di consentire facili sovrapposizioni grazie alla resina che contiene e un tempo di asciugatura molto veloce: il che potrebbe essere uno svantaggio, se la presenza di acqua estesa in anticipo o l'uso di un rallentatore non permettesse di correggere questa tendenza. Queste vernici possono, inoltre, essere posizionate su molti supporti difficili, come cemento, cementi. D'altra parte, non è necessario utilizzare tele ricoperte da un rivestimento grasso; è meglio dipingere direttamente, la vernice costituisce da sola un rivestimento protettivo anche molto flessibile: la tela non si rompe più dopo tale rivestimento. Infine, grazie alla sua adesività molto forte, la vernice acrilica consente l'integrazione di corpi eterogenei, come sabbia, ghiaie varie, polvere di marmo, fibra di vetro, ecc.
L'invenzione di questo tipo di vernice ha fortemente contribuito allo sviluppo di un dipinto con tonalità chiare ma brillanti, soprattutto negli Stati Uniti.
 
 

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